Während der Proteste in der Türkei im Juni 2013 stellte sich der Künstler, Tänzer und Choreograph Erdem Gündüz auf den Istanbuler Taksim-Platz und schaute stundenlang schweigend auf ein Bildnis von Mustafa Kemal Atatürk, dem Gründer der modernen Republik. Acht Stunden lang stand er, bis die Polizei kam und nicht wusste, was sie von Gündüz halten sollten: war das Protest, war das nur ein Verrückter, sollte man gegen ihn vorgehen? Der Staat hatte am 17. Juni ein Demonstrationsverbot verhängt, um die Proteste zu ersticken. Doch was sollte sie gegen die stille Aktion des Erdem Gündüz unternehmen?
Schnell stellten sich zahlreiche Leute zu Erdem Gündüz, weltweit erfuhr er Solidarität. In kurzer Zeit verbreitete sich sein Bild des stillen Protests, er wurde als 'Standing Man' zum Emblem des gewaltfreien Widerstands.
Was geschieht, wenn Erdem Gündüz sein Stehen nun im Kontext der Kunst wiederholt, wenn auch Besucher im Kesselhaus anstatt der Passanten am Originalschauplatz partizipieren können? Ist Kunst schon widerständig, wenn sie Formen des realen Protests in sich aufnimmt? Kann die Kraft der Revolte sogar Konventionen der Kunst sprengen? Regisseur Sebastian Blasius und Dramaturg Daniel Franz haben mit „VERHALTET EUCH RUHIG“ ein sechsstündiges Performance-Projekt an der Grenze von ästhetischer und sozialer Choreografie sowie bildender Kunst entwickelt.

Konzept/Realisierung: Sebastian Blasius
Dramaturgie: Daniel Franz 
Raum: Ralf Ziervogel 
Sound: Christoph Korn 
Assistenz: Ola Stankiewicz

Kollaborierende Künstler: Erdem Gündüz (Tänzer, Choreograf), Antje Velsinger (Tänzerin, Choreografin), Maya Weinberg (Tänzerin, Choreografin) und Eduard Mont de Palol (Musiker, Tänzer)

VERHALTET EUCH RUHIG

What does it mean to remember something when it is possible, at any time, to access a vast digitalised memory? What potential arises, in view of all that is in there, for us actively to delete what we have available and entrust it to forgetting? Three dancers transit through Pina Bauch’s "Café Müller" in search of any traces left behind by this leading choreography in their personal as well as in our cultural memory. 'Erasing Café M' investigates what spaces open up when the conventions of archiving and preservation are countered by processes of cessation, of silence and of removal. Along with their team, Sebastian Blasius (choreography) and Daniel Franz (dramaturgy) sound out what political relevance may be encapsulated in our acts of remembering and of forgetting.

with: Joris Camelin, Yaara Dolev, Maya Weinberg
Choreography: Sebastian Blasius, Dramaturgy & Grafics: Daniel Franz, Stage: Ralf Ziervogel, Composition: Christoph Korn

Cooperation: Sophiensaele Berlin

Friendly support by: Landeshauptstadt München, Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen, Bezirk Oberbayern, KunstSalon Stiftung, Rudolf Augstein Stiftung


ERASING CAFÉ M

 Ausbrennen - Songs von der Selbstverwertung oder Melodien für den Feierabend ist Konzert, Live-Hörspiel und Performance, ist ein Ringen um den Feierabend für brennende und ausgebrannte EinzelkämpferInnen, ist der Versuch eines neuen Arbeiterlieds. Musik! Musik!

Jährlich steigt die Zahl der von der Mode- oder Volkskrankheit 'Burnout' Betroffenen, die meisten von ihnen sind im eigentlich leistungsfähigsten Alter. Die wirtschaftlichen Einbußen durch 'Burnout' sind enorm, die Experten streiten über Definitionen, Ursachen, Maßnahmen, Therapien.

Ist 'Burnout' aus sich wandelnden Arbeitsbedingungen und komplexer werdenden Anforderungen herzuleiten? Ist die Thai-Chi-Therapie auf dem Land oder der Ruheraum in der Firma die Lösung des Problems? Ist dem Phänomen 'Burnout' überhaupt mit der umstrittenen Klassifikation als psychische Erkrankung beizukommen?

Oder verbirgt sich dahinter nicht vielmehr ein gesellschaftsübergreifendes vollkommen verschobenes Selbstbild? Denn warum hat Arbeit überhaupt einen so großen Stellenwert in meinem Leben, dass sie derart tief in mein Selbstverständnis eingreifen kann?

Das gesamte gesellschaftliche Leben ist von Unternehmergeist durchdrungen. Jeder Tag ist die Arbeit an der Selbstverwirklichung, der andere wird darin zur Konkurrenz, der Freundeskreis zum Netzwerk. Der brennende Arbeiter ist der Arbeiter von heute. Und brennt er noch nicht, muss er sich entflammen. 

Ausbrennen - Songs von der Selbstverwertung oder Melodien für den Feierabend

Ausgehend von Heinrich von Kleists "Über das Marionattentheater" und dessen inhärenter Thematik der individualistisch-singulären Vielfalt, versucht sich dieser Film, theoretisch genährt durch den Leitgedanken Jean-Luc Nancys "singulär plural sein" und Textelementen von Elfriede Jelinek, dem Phänomen der Polyphonie eines Subjekt-Selbst zu nähern. 

Diese Arbeit entstand, gemeinsam mit Johanna Manzewski, innerhalb eines Workshops der 1. Internationalen Sommerakademie des Mousonturm Frankfurt/Main 2008  unter der Leitung von Chris Verdonck und Alexis Destoop.

singulär plural sein

Vier TänzerInnen mit unterschiedlichen kulturellen Hintergründen rekonstruieren die Bewegungen und Sprechweisen von SchauspielerInnen in ihren Verkörperungen des "Woyzeck"-Personals verschiedener früherer Inszenierungen und entwickeln daraus eine Choreografie. Als was können die historischen Gesten eines Schauspielers lesbar werden, wenn TänzerInnen sie rekonstruieren, re-enacten, nachschreiben in dem Bewusstsein, dass es sich um das Material Abwesender handelt? Welche Körper, welche Identitäten, welche Präsenzen bringt diese Konfrontation hervor?

Mit dieser Auseinandersetzung entsteht ein Archiv der Erinnerungen und damit verbunden natürlich die Frage, wie ein Umgang mit einem kulturellen Gedächtnis heute möglich ist. 

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Four dancers from different cultural backgrounds recontruct the movements and ways of speaking of actors in their various embodiments of the "Woyzeck" cast of earlier theatre productions, thus creating a choreography. How can the historic gestures of an actor be read when dancers reconstruct, re-enact, rewrite them, knowing that it is the material of absent bodies? What identities, which presences are produced by this confrontation? Debating this an archive of memories emerges, also associating the issue of possibilities to deal with cultural memory today.

Performance: Sigal Zouk / Arantxa Martínez / Eduard Mont de Palol / Ludger Lamers
Director: Sebastian Blasius 
Dramaturgy: Daniel Franz 
Stage and set design: Cristina Nyffeler 
Light Design: Andreas Mihan 
Sound: Rupert Jaud 
Speech Training: Vivian Lüdorf 
Organisation: nützlich + schön

WOYZECK ÜBERSCHREIBEN

"Lear: Kennt mich jemand hier? Dies ist nicht Lear: Geht Lear so? Spricht er so? Wo sind seine Augen? Wer kann mir sagen, wer ich bin?"

Shakespeares "King Lear" erzählt die Geschichte eines Zerfalls. Der König, den wir in der ersten Szene des ersten Aktes noch im Vollbesitz seiner geistigen, weltlichen und sprachlichen Macht erleben, verwandelt sich nur wenige Momente später in ein ausgesetztes, umherirrendes und unmittelbares Wesen: in einen gefallenen Herrscher, in einen ratlosen und rastlosen Wanderer im Sturm, in eine dramatische Figur, die sich durch das konstituiert, was sie nicht mehr ist.

Lear gerät in das Niemandsland zwischen seinen zwei Körpern: zwischen den König namens Lear und den Sterblichen namens Lear. Was ist Lear dort? Ist der gefallene Lear identisch mit dem, der einmal geherrscht hat? Ist der bestrafte Lear wirklich der schuldige Lear? Was ist ein Mensch nach dem Verlust seines gesellschaftlichen Status? Was ist ein Schauspieler nach dem Verlust seiner Rolle auf der Bühne?
Was ist eine Figur außerhalb der Aufführung? Und wie kann die Bühne einen nutzlosen Körper beherbergen?

Performance von Luise Voigt zusammen mit Malte Scholz (Performance), Katharina Stephan (Sound/ Performance), Juliane Kremberg (Video/ Performance), Jennifer Sittler (Performance/ Bühne), Daniel Franz (Dramaturgie)

"exit Lear" ist eine Produktion von Luise Voigt mit freundlicher Unterstützung des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft Giessen, der Hessischen Theaterakademie gemeinsam mit Treibstoff 2011 - Theatertage Basel und dem Hessischen Landestheater Marburg.

(c) Foto: Donata Ettlin

exit Lear

"Die Vergangenheit ist nicht vergangen. Sie richtet sich in der Gegenwart als eine sie überschreitende Möglichkeit auf. Die Vergangenheit ist als diese Vergangenheit die Zukunft des Denkens. Sie ist, was das Denken über sich hinaustreibt," schreibt der Philosoph Marcus Steinweg.
2003 standen in einer Inszenierung des Regie-Kollektivs 'Rimini Protokoll' Personen auf der Bühne, die aus ihren Berufen innerhalb unserer Sterbekultur berichteten und über ihren eigenen Tod nachdachten. In PRESENT CONTINUOUS PAST(S) (AT) rekonstruiert und erforscht der Tänzer Benjamin Schoppmann die Bewegungen und Sprechweisen dieser nun abwesenden Bühnen-Laien und setzt diese zugleich aufs Spiel.

Performance - Benjamin Schoppmann ::: Regie - Sebastian Blasius ::: Dramaturgie - Daniel Franz

Gefördert durch das Kulturreferat der Stadt München und mit freundlicher Unterstützung von Rimini Protokoll.

Present Continuous Past(s)

Tanzperformance nach dem Text "er nicht als er" von Elfriede Jelinek.

Idee und Konzept: Daniel Franz und Johanna Manzewski
Texte: Elfriede Jelinek
Performance: Ludger Lamers
Sprecher: Stephan Schad, Norman Hacker
Realisation: Stine Hertel, Johanna Manzewski, Ludger Lamers, Jan Rohwedder, Daniel Franz
Beratung Sound: Björn Deigner

Was passiert, wenn man den Körper von etwas Anderem sprechen lässt, das sich nicht allein mit sprachlichen Aussagen einholen lässt? Die Arbeit „La coquille“ versucht sich, dem Verhältnis von Körper und Sprache zu nähern, indem wir den Körper als „das Andere“ der Sprache begreifen möchten. In einer Rauminstallation, welche ein akustisches Environment einschließt, planen wir, gemeinsam mit einem Performer, unser choreografisches Interesse auf die Leerstellen und Zwischenräume des Körpers zu konzentrieren. Da wir die Synergieeffekte zwischen Körper und Sprache nutzen wollen, richten wir den Fokus unserer Textinszenierung auf Auszüge von Elfriede Jelineks „Er nicht als er“. Lässt sich ein „fragmentierter“ Körper als Einheit erfassen, auch und gerade wenn seine Fragmente als Teile der Bühne selbst zu verstehen sein könnten? Lassen sich Körperteile als unterschiedliche Schichten, als Verzweigungen eines Organismus begreifen? Wie könnte diese Art der Mehrdimensionalität aussehen, versteht man den Körper als Bündel von Handlungen, von Bewegungen? Last but not least möchten wir mit „La coquille“ der Frage nachgehen, wie sich der Performer als ein selbst-affimierendes, selbst-konstituierendes Subjekt auf der Bühne verstehen kann, wenn er zeitgleich Teil eines choreografischen Prozesses sein soll.


Mit freundlicher Unterstützung durch das Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Giessen, der Giessener Hochschulgesellschaft, der Hessischen Theaterakademie, dem Kulturamt der Stadt Frankfurt, dem Kulturamt der Stadt Giessen, dem AStA der JLU Giessen sowie dem Frankfurt LAB.

LA COQUILLE (2010)

Die Inszenierung APPROPRIATION . PARASITEN . KRAPP S LAST TAPE (Arbeitstitel) von Sebastian Blasius beschäftigt sich unter medienspezifischen Fragen mit Möglichkeiten und Grenzen der Rekonstruktion einer vorhandenen Inszenierung: Samuel Becketts eigener Regiearbeit seines DAS LETZTE BAND von 1969.

Ein solches Vorhaben konfrontiert den Körper mit (s)einer Grenze:
Inwieweit kann man sich die singuläre Bewegungssprache eines anderen aneignen, in diesem Fall die des Schauspielers Martin Held als Krapp?
Verändert nicht ein Aneignungsprozess sowohl den Aneignenden wie das Anzueignende?
Beinhaltet ein solcher Prozess also eine Gefahr, nämlich die eines Infiziertwerdens, die des Kontrollverlusts, die einer Amorphisierung?
Was kann dadurch sichtbar werden für jemanden, der zuschaut?

Becketts Text thematisiert selbst die Erschütterung des Wahrgenommenen: Das letzte Band wird eingeleitet von der Regieanweisung "Eines Abends, spät, in der Zukunft" - aufgerufen wird eine konkrete Atmosphäre, die durch die Bestimmung des Künftigen zugleich einen Riss erfährt.

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The production Appropriation. Parasiten. Krapp´s last tape (working title) uses a media-oriented approach to explore the possibilities and limits of the reconstruction of an existing staging: The production by Samuel Beckett of his own piece Krapp’s last tape in 1969.

The reconstruction confronts the body with its limits: To what extent is it possible to appropriate the singular body language of someone else, in this case that of the actor Martin Held who played the protagonist Krapp in 1969? Wouldn’t the process of appropriation change the one who appropriates and that which is appropriated?

Isn’t there an inherent danger of being infected, of losing control, of an amorphisation? What can be perceived from this process by someone who is watching?
Beckett’s text (also) focuses on how perception is unsettled: Krapp’s last tape begins with the stage direction “A late evening in the future“ – calling forth a certain atmosphere that is immediately irritated by the paradoxical reference to the future.

concept and direction: Sebastian Blasius
concept and dramaturgical advice: Daniel Franz
performance: Ludger Lamers
sound: Björn Deigner/Luise Voigt
light: Katharina Runte
production management and dramaturgical advice: Anke Euler

Appropriation. Parasiten. Krapp´s Last Tape has been produced to obtain the degree of diploma and is kindly supported by Hessische Theaterakademie (HTA), the Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, ZMI of Justus-Liebig-Universität Gießen, Kulturamt Gießen, Kulturreferat München and is a co-production with i-camp/neues theater münchen.

Appropriation. Parasiten. Krapp's last tape. (AT)

Fassbinder gab dem 1972 veröffentlichten Text „Keiner ist böse und keiner ist gut“ den Untertitel: „Ein Versuch über Science Fiction“. Tatsächlich wirken die Figuren des Stückes einer hiesigen Welt entrückt: Jeanne streichelt unentwegt ihr Haar, Christoph zählt Farben, Petrov, beseelt von einem übernatürlichen Glücksempfinden, versucht Elvira von ihrer eigenen Glückseligkeit zu überzeugen. Ihr opakes Handeln öffnet sich zueinander, als sie allesamt den gleichen Traum träumen. Jenem, der vom nahen Tod des Anderen und der grenzenlosen Kommunikation über den Traum selbst erzählt.
Über den Konflikten gesellschaftlichen Miteinanders entsteht eine Utopie, eine Familie träumt von einem Leben, dessen originärer Zustand nicht einer Verteidigungshaltung entspricht. Doch die Probleme, welche die Notwendigkeit dieses phantastischen Entwurfs rechtfertigten, kehren unter den Schutzmantel der Traumwelt zurück.
Wenn Vielschichtigkeit eines der Prinzipien des Textes ist, so macht sich diese Arbeit auf die Suche nach Zugangsvoraussetzungen und Einstiegsmöglichkeiten, indem sie die Grenze des Mediums Hörspiel zu überschreiten versucht.

Regie: Daniel Franz & Stine Hertel
Video: Tom Hanke
Musik: Hannes Wehrhan
Bühnenberatung: Anne Wackerl
Layout: Anne Pfeifer

Mit: Heiner Stadelmann, Martin Butzke, Max Landgrebe, Dörte Dreger, Anne Nelke, Sandra Strauch, Puneh Henning, Martin Wolf, Tomasz Stompor, Rainer Dohmke

Mit freundlicher Genehmigung durch den Verlag der Autoren, Frankfurt/Main und der Rainer Werner Fassbinder Foundation, sowie freundlicher Unterstützung von der Giessener Hochschulgesellschaft, der Rainer Werner Fassbinder Foundation, dem Kulturamt der Stadt Giessen, dem AStA der JLU Giessen sowie dem Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Giessen und der Bauhaus Universität Weimar. 

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Daniel Franz